No Land und Luke Stewart empfangen mich in Stewarts temporären Residency-Studio auf dem ­Gelände der Kunst-Institution Pioneer Works im Brooklyner Stadt­teil Red Hook. Da arbeiten die beiden gerade an ihrem ersten gemeinsamen Album. Zunächst geben sie sich reserviert, sprechen bedacht, flüstern geradezu. Ganz so, als ob sie erst ein Gefühl dafür bekommen müssten, was der aus Deutsch­land angereiste Journalist an Fragen mitgebracht hat.

Die beiden erzählen, dass sie sich im Sommer 2015 an der Jack Kerouac School of Disembodied Poetics (gegründet unter anderen von Anne Waldman und Allen Ginsberg) an der Naropa University kennengelernt haben. Einem Ort repräsentativ für die Geschichte der Beat-Kultur, an dem sich ­Poesie und Sound ganz natürlich vermischen, eben so, wie in der Zusammenarbeit von No Land und Luke Stewart. In ihrer Zusammenarbeit geht es darum, »wirklich im Augenblick zu leben«, so Stewart, einen Raum zu gestalten, in dem sie »mit den Ahnen und den Ältesten, die uns künstlerisch und kreativ beeinflusst haben, in den Dialog treten können.«

Was das konkret bedeutet, lässt sich anhand eines Auftritts unter dem Signet Blacks’ Myths (Stewarts Band mit Trae Crudup) der beiden beim Rewire Festival in diesem Jahr verdeutlichen, bei dem No Land Texte aus dem Umbra Magazine von Poeten wie David Henderson, Steve Cannon, Amiri Baraka, Bob Kaufman und Allen Ginsberg vortrug. Es sei für sie eine besondere Erfahrung ­gewesen, merkt sie an, da sie ­ansonsten während ihrer ­Performances viel mehr Stimmen anderer Dichter:innen wiedergibt, an diesem Abend sei es aber »hauptsächlich um schwarze Kunst« gegangen.

»Die Geschichte ist Teil unserer Recherche und Teil unserer Inspiration«, führt Luke Stewart aus. »Es ist nützlich für uns als Künstler, Teil eines Erbes und einer Tradition zu sein und sie zu studieren.« Es geht darum, »Weisheiten, die in der heutigen Kultur übersehen werden aus der Vergessenheit zu holen«, ­ergänzt No Land.  Und das eben nicht nur, in dem sie die Personen zitieren und dabei namentlich kenntlich machen, sondern tiefergehend, in dem sie »in die Essenz« eindringen — deswegen müsse man »die Archive durchforsten.«

Die beiden wollen die Vergangenheit nicht wiederholen, sie wollen sie in etwas Relevantes für unserer Zeit überführen. Denn bei aller »gemeinsame Liebe, Wertschätzung und Ehrfurcht vor der Geschichte«, so Stewart, sei es wichtig, dass die Auseinandersetzung mit dem Erbe dazu führt, ­»etwas Eigenes zu schmieden!«

Bei allem künstlerischen Selbstbewusstsein, das die beiden ausstrahlen, und zweifellos vorhandenen Talenten, ist der musikalische Prozess trotzdem kein leichter.  »Wir befinden uns in einer Zeit, in der sich viele ­Dinge zuspitzen«, wählt Stewart seine Worte bedächtig. »Während meiner Zeit in Washington, D.C., habe ich den schnellsten Niedergang in der Geschichte der Stadt erlebt, in New York City verlief es ähnlich –  Kultur wird ausgelöscht, übersprungen, verdrängt.« Ihre Musik sei deswegen ein »Heilexperiment«. No Land ­ergänzt: »Man erwacht in einer Welt, die sich wie ein Gefängnis anfühlt. Kunst ist die spirituellen Suche danach, wie man frei sein kann. Man muss dabei durch eine Menge an Zerstörung gehen — und trotzden festzuhalten an den, was sich wie Vernunft anfühlt. Krieg, Gewalt und Zerstörung sind auf Gier zurückzuführen, darauf, dass einige mehr haben als andere, sie kontrollieren wollen. Das aktuelle Ausmaß der Gewalt ist sehr entmutigend. Viele von uns dachten, dass wir uns auf ein anderes Bewusstsein zubewegen — die Hoffnung bleibt bestehen.«

Es ist schwierig, als Künstler in einer Welt zu existieren, in der Markendisziplin eine große Sache istLamin Fofana

Szenenwechsel. Zwei Tage ­später treffe ich Lamin Fofana im Central Park. Nachdem er einige Jahre in Berlin gelebt hat, ist er vor einem Jahr nach New York ­zurückgezogen und hat, zu seiner eigenen Überraschung, Uptown Manhattan, in Nähe des Guggenheim Museums, eine günstigere Wohnung als in einer seiner ­früheren Hoods — Bedford-Stuyvesant, Harlem, Crown Heights — gefunden. Die absurden Folgen der Gentrification.
Die letzte Reise stecke ihm noch in den Knochen, gibt Lamin zu verstehen. »Wenn man an Orte geht und Musik spielt, hat man nicht das Gefühl, dass man wirklich dort ist«, führt er aus. »Man bekommt verschwommene Schnappschüsse von diesen ­Orten, wie ein fahrender Zug.«
Lamin ist ein offener, freundlicher Gesprächspartner, er lacht viel während unserer einstündigen Unterhaltung. Sein Blick auf den eigenen Arbeits- und ­Wirkungskosmos ist merklich ­lockerer als jener von No Land und Luke Stewart.

Was die drei eint, auch die ­Produktionen von Lamin Fofana sind eng verflochten mit seinen intensiven Rechercheprozessen. »Ich lasse mich stark von der ­Lektüre von Geschichtsberichten und Poesie inspirieren«, erklärt er. »Ich gewinne über Dinge, die vor 30, 50 oder auch 100 Jahren passiert sind, Einblicke in die Dinge, die heute vor sich gehen — und wandele sie in Bewegungen und Muster in meiner Musik um.«

Auf seine Produktionen angewandt, bedeutet dies, dass sie sich aus Eindrücken, Ableitungen und Gefühlszuständen speisen, die die Texte von Autor:innen wie W. E. B. Du Bois, Sylvia Winter, Amiri Baraka, Kamau Brathwaite, Édouard Glissant in ihm ausgelöst haben.

Ich will wissen, wie es Fofana gelungen ist, sich trotz aller thematischen Schwere, die seiner Musik anhaftet, diese Leichtigkeit im Austausch erhalten zu haben — und eben nicht zynisch zu werden, oder sich hermetisch abzugrenzen, wie so viele andere. »Um ehrlich zu sein, ich habe einfach sehr viel Glück gehabt«, antwortet er knapp. »Die Dinge haben sich sehr natürlich entwickelt. Das hat geholfen.« Aktuell sei er sich aber unsicher, wohin der Weg als nächstes führt. Der selbst gesetzte Druck nach gleich zwei ­Alben-Trilogien, zulässt »Black Metamorphosis«, »Darkwater« und »Blues«, sei hoch.

Wirklich Sorgen über fehlende Inspiration muss man sich aber nicht machen. So zeigte Fofana beispielsweise beim belgischen Meakusma Festival Ende August mit drei beeindruckend vielseitigen Sets zwischen Ambient, Techno und erzählender Klangkunst wie leicht er unterschiedlichste Klangnarrative zu weben vermag.  »Ich gehe einfach in mehrere ­Richtungen gleichzeitig«, kommentiert er lachend. »Um das lost album von John Coltrane zu zitieren: Both Directions at once! ­Diese Ideen von klaren Disziplinen und multidisziplinären ­Ansätzen haben für mich nie funktioniert. Das ist wie die Dualität aus Club und (Museums-)Galerie. Ich mag es, wenn sich die Dinge wild überwuchern, wie bei einem Pilz. Wenn überhaupt, dann versuche ich, eine Art Anti-Disziplin-Praxis zu haben. Aber es ist schwierig, als Künstler in einer Welt zu existieren, in der Markendisziplin eine große Sache ist.«

Dass er neben seinen Dance-Floor-Performances von der Kunstwelt für Ausstellungen eingeladen wird (Fofana stellte bereits im Hamburger Bahnhof, Berlin, dem Haus der Kunst, München, oder auch bei der 57. Biennale ­Venedig aus), führt er mit kritisch-nüchternem Blick auf seine Beschäftigung mit  Black Studies ­zurück. Wobei, das ist ihm wichtig zu betonen, er bereits davor ­installative Arbeiten produziert habe, und das auch machen werde, wenn die Kunstwelt nicht mehr an ihm interessiert sei.

Zum Ende unseres Gesprächs erwähnt Lamin Fofana noch den britischen Schriftsteller und Journalisten Kodwo Eshun. Von diesem habe er gelernt, dass »schwarze Musik, schwarzer Noise nicht etwas ist, das man einfangen und in Kategorien einordnen kann. Sie verweigert sich der Schlussfolgerung und dem endgültigen Ende.«